Samuel Richardot

La plasticité de la peinture est ici mise en avant par des coulures et des taches ou, au contraire, par des formes régulières et symétriques aux couleurs franches qui évoquent l’univers des produits industriels et des logos commerciaux. Certaines de ces formes ont l’air de détails prélevés dans des figures réelles, ce qu’elles pourraient bien être. Du reste, ainsi que l’artiste aime le rappeler, un tel processus d’isolement et de prélèvement « correspond […] à la définition première de l’abstraction* ».

Qu’elles soient régulières ou irrégulières, aux contours nets ou effilochés, les figures de
Richardot s’arrêtent à la surface du tableau, elles ne font aucunement allusion à la profondeur. Mais l’espace blanc qui les sépare permet au regardeur de projeter des effets illusoires de profondeur, de les faire reculer ou avancer. Le format horizontal des grandes toiles crée l’attente d’un paysage. Il n’est pas difficile de céder à cette suggestion et de considérer ces œuvres comme autant de vues, de scènes dans lesquelles s’apparient des éléments naturels et artificiels, des impressions et des souvenirs.

Dans ces travaux, qui jouent sur des interventions picturales raréfiées et sur de vastes espaces neutres, la composition est fondamentale. L’équilibre tendu de cette dernière suggère que de rigoureuses études préparatoires ont été effectuées. Mais il n’en est rien. L’artiste affronte directement la toile et procède par accumulation, sans passer par un schéma compositionnel préétabli. Il part d’une figure puis il en rajoute une autre ; chaque intervention modifie l’équilibre général et suggère de nouvelles possibilités. L’artiste explique que le processus continue jusqu’à ce qu’un nouveau tableau vienne concurrencer celui qui est en phase d’élaboration. « Je pense à la conclusion d’un travail avant tout en terme d’inachèvement* », affirme-t-il.


Si la méthode de travail de Richardot exclut les dessins préparatoires, elle se fonde cependant sur un vaste répertoire de formes définies qu’il faut atteindre, des modèles mis au point dans la pratique d’atelier ou prélevés dans le réel. Cet ensemble possède une consistance matérielle : pochoirs et découpes dans du papier ou du carton coloré, dessins, photographies, objets trouvés, etc. Depuis 2010, l’artiste a commencé à disposer et à présenter ces matériaux sur de grandes surfaces horizontales, donnant ainsi corps à une troisième voie dans son travail, en plus des toiles de petit et de grand formats : il s’agit de compositions à mi-chemin entre la peinture et la sculpture qui constituent simultanément des traces du travail d’atelier et une œuvre à part entière.

Simone Menegoi, février 2011 (traduction Catherine Macchi)