Exposition FEITO

La puissance lyrique de Luis Feito

Dans l’actualité dramatique toute récente, on apprend que Luis Feito  vient de mourir en février 2021 à Madrid du Covid 19. Cela renforce l’importance toute particulière de son exposition à la Galerie Bertrand Trocmez. Ce très bel accrochage d’œuvres d’un des maîtres de la peinture abstraite espagnole s’échelonne de 1956 à 1974. Il illustre sa découverte de l’automatisme et du matiérisme, sa conquête d’une grande clarté géométrique et sa mise en place d’une plénitude de la couleur.

Après ses études à Madrid à l’école supérieure des Beaux-Arts de San Fernando, Luis Feito fait un voyage initiatique à Paris en 1956 et découvre l’abstraction et la Nouvelle école de Paris. Il s’enthousiasme pour la matière des corps de Jean Fautrier, le lyrisme du dessin de Hans Hartung, la couleur des formes de Serge Poliakoff. Il reste en cela fidèle à ses amis du groupe madrilène El Paso : Antonio Saura, Raphael Canogar, Manuel Millares, Pablo Serrano... Dès 1957, à l’étroit sous la dictature franquiste, ces artistes revendiquent leur appartenance à un art informel espagnol en réponse à l’école de l’Expressionnisme Abstrait de New York.

Dans cette précieuse exposition, l’œil est tout de suite attiré par une série de gouaches en noir et blanc de 1961 et une grandiose huile sur toile rouge et noire où le peintre revendique pleinement l’autonomie et la matérialité du fait plastique. Feito n’est pas un peintre « à sujet » et pour rester fidèle à ce principe, ses œuvres n’ont pas de titres mais une simple numérotation. Pas de légende, pas d’aide à l’interprétation, seule la peinture a droit à l’existence. Il se dégage de ces gouaches malgré leur format réduit une puissance physique exceptionnelle qui rappelle celle de Franz Kline ou de Clifford Still. Le geste brutal s’incarne en une large marque anthracite qui, de manière horizontale, balaie violemment toute la surface. Les traces structurent la feuille en un réseau de vides et de pleins que la monochromie exaltée accentue. Devant la splendide toile aux dominantes rouges et noires, couverte d’une couche de peinture dense, on imagine un volcan flamboyant où terre et feu semblent fusionner. Si l’enduit est épais et gras, la couleur demeure délicate. L’insistance porte autant sur la rugosité et la franchise brute de la pâte que sur la subtilité des accords chromatiques. Comme chez Mark Rothko, on se laisse prendre par les qualités plastiques, on s’interroge sur le lyrisme tragique que ces noirs martèlent, on respire devant la lumière soudaine du rouge réconfortant. L’aspect primitif, la violence du mouvement, la matière palpable, l’éclatement écarlate, tout renforce la volonté d’évocation du sublime.

La texture même de la peinture avec son épiderme et son épaisseur est véritablement le facteur qui domine et entraine toutes les compositions. Ce traitement avantageux de la surface colorée semble conduit tour à tour par le plaisir de la spontanéité, par la fièvre créatrice autant que par une certaine sévérité dans les agencements. Cette riche utilisation du matériau donne une présence réelle à chacune des formes, de telle sorte que l’espace construit devient un espace existant dans le monde en trois dimensions. On pense à Nicolas de Staël quand il s’interrogeait : «  Est-ce qu’un tableau peut être taches et rien d’autres ? » Ici aussi les compressions des formes sont directes, les bordures ardentes, les crevasses et les jaillissements délectables, les accumulations, les assemblages heureux dans une apparence de facilité. Des plages unies s’étalent à côté de cette matière généreuse, pâte exubérante que la gestualité du dessin maitrise allégrement. Ce graphisme sensible se traduit dans d’épaisses lignes géométriques qui enserrent la couleur. Parfois une émulsion de sable se mélange à l’huile de lin pour donner encore plus de relief à certaines parties de la toile. La peau de la peinture, merveilleusement lisse ou accidentée, est pleine de richesse et de saveur.

Extrait de la préface du catalogue,Renaud Faroux