Construction / Destruction
With Fernanda Gomes, Arturo Herrera, Jannis Kounellis, Adam Marnie, Joel
Shapiro and Kishio Suga.
Almine Rech Gallery is pleased to announce “Construction / Destruction”, a group
exhibition that brings together the work of six international artists, active between the
1960s and today. Emerging from divergent contemporary trajectories across the globe,
their work explores notions of destruction, construction and transformation, as forces
of cyclical renewal to define the connections to, or away from, their own cultural past.
The destructive tendency is crucial to the history of modern and contemporary art.
However, presented here, these acts are no more violent than they are transformational,
looking to develop dynamic visual and spatial relationships, or to construct multilayered
experiences, which engage the artist, the material and the agency of the
viewer. Organized with Olivier Renaud-Clément, “Construction / Destruction” presents
the work of Fernanda Gomes, Arturo Herrera, Jannis Kounellis, Adam Marnie, Joel
Shapiro and Kishio Suga.
Together, the works of Joel Shapiro and Fernanda Gomes create a new landscape
of form and meaning, which insists upon a phenomenological experience of space.
Based in Rio de Janeiro, the work of Fernanda Gomes emerges from the traditions
of Brazilian Constructivism and the Neo-Concrete. Created in situ, her installations
reflect upon a process of discovery, assimilation and appropriation. Starkly minimal in
her aesthetic approach, Gomes extracts discarded objects from the world – such as
cotton thread, nails, wood, plastic bags, wire, or paintbrushes – most of which she
paints the color white. Choreographing barely noticeably interventions among the
gallery’s walls and physical space, her work requires extended observation as she
poetically manifests fragments from the world. “The state of things on their way to
disappearing appeals to me,” she explains, “they have a strange density in contrast to
their precarious materiality.”
In a similar manner, American sculptor Joel Shapiro presents a series of new miniature
sculptures, which despite their modest scale, command an unwavering presence.
Sans plinth, his pieces are fixed and spread across the gallery’s floor. In this new
series of intimately scaled works, Shapiro first constructs models of houses made
of wood, which he then burns and later casts in bronze. His use of scale alludes
to an extreme vulnerability, but at the same time conveys an aloof distance. Here,
Shapiro revisits the motif of ‘the house’, a theme which first appeared and, in fact,
dominated the work of his early career. Emerging in the sixties and seventies, in the
wake of Minimalist and Conceptual art, Shapiro developed an iconography that drew
upon private memory, but which sought out formal invention. The immediate physical
experience of the artist’s sculptures is therefore psychologically charged, imbued with
personal associations whilst simultaneously evoking everyday universal forms.
Performing serial acts of destruction, the young New York-based artist Adam Marnie
not only interrogates the boundaries of sculpture, but explores and subverts the
aesthetic of architectural space. Marnie’s work traces the influence of Minimalism,
which he arguably embraces and critiques in a very physical way. ‘Locus Rubric’ (2011)
appropriates constructions materials, such as drywall, which the artist employs to
build boxed forms that have been punctured by two fist-sized holes. As if to capture
the immediacy of the impact, the sculpture has been encased and displayed within
a frame to collect that rubble as it falls. However, through careful looking, the viewer
finds that Marnie’s surface fissures are nothing more than a series of predetermined,
constructed gestures that create tension between artifice and real presentations of
violence.
Although the work of Jannis Kounellis and Kishio Suga developed separately within
a distinctive national context during the postwar period, their work shares affinities
in an approach to material and process, which articulates the artwork as a site of
contingency, open to the possibility of fragmentation and ephemeral states. Japanese
artist Kishio Suga is one of the most prominent figures of Mono Ha (School of Things),
whose work emphasizes the close relationship between the fundamental nature of
objects and the spaces in which they exist. In a series of wall-mounted assemblages
presented here, Suga employs natural and industrial materials to create intimate pieces
sparked with improvisational energy, reflecting the physical act of their construction.
Similarly, the sculptures of Jannis Kounellis – one of the forefather’s of the Italian Arte
Povera movement – can be characterized by the juxtaposition of objects and materials
that may be physically and culturally antithetical to one another. Ordinary objects held
a directness and immediacy for Kounellis, who sought to unite art with everyday lived
experiences.
Lastly, Venezuelan artist, Arturo Herrera’s work is rooted in the practice of collage.
Incorporating the use of everyday printed materials into his visual vocabulary, Herrera
combines dislocated fragments of popular imagery to create abstract compositions,
which tap into our cultural subconscious and collective memory. In a recent series of
“Untitled” works, the artist has sourced found books from flea markets in Berlin. An
example of Herrera’s first foray in painting, the artist deconstructs the notion of the
picture plane by employing the book as his canvas. Dipping the objects into paint, the
pages of each book are sealed shut, obliterating their content and destroying their
original form. Continuing to spill and drip paint over the surface, Herrera transforms
the discard paperback and hardcover books into intimate object-based paintings,
which, through built up layers, invoke the process of collage to create compelling new
graphic forms.
La galerie Almine Rech a le plaisir d’annoncer « Construction / Destruction », une
exposition collective réunissant les oeuvres de six artistes internationaux actifs entre
les années 1960 et aujourd’hui. Issus de trajectoires contemporaines divergentes,
prenant leur source de par le monde, ces travaux envisagent les notions de
destruction, de construction et de transformation comme moteurs d’un renouveau au
moyen duquel ils tentent de définir les liens de rapprochement, ou de distanciation,
qu’ils entretiennent avec leur propre passé culturel. La tendance destructive joue un
rôle central dans l’histoire de l’art moderne et contemporain. Toutefois, présentés ici,
ces actes ne sont pas plus violents que transformatifs ; ils cherchent à développer
des relations visuelles et spatiales ou à construire plusieurs niveaux d’expériences,
lesquels impliquent l’artiste et le matériau aussi bien que l’intervention du visiteur.
Les pièces de Joel Shapiro et de Fernanda Gomes créent, à partir de formes et
de significations, des paysages nouveaux et mettent l’accent sur une expérience
phénoménologique de l’espace. Domiciliée à Rio de Janeiro, Fernanda Gomes produit
une oeuvre issue de la tradition du Constructivisme brésilien et du Néo-concret. Créées
in situ, ses installations témoignent d’une réflexion sur le processus de découverte,
d’assimilation et d’appropriation. L’artiste, dont la démarche esthétique se caractérise
par un minimalisme austère, recueille les objets dont le monde ne veut plus – fils de
coton, clous, bouts de bois, sacs plastiques, câbles ou pinceaux – qu’elle peint pour
la plupart en blanc. Chorégraphie d’interventions à peine visibles sur les murs et dans
l’espace physique de la galerie, son travail demande un sens aigu de l’observation à
qui veut déceler sa traduction poétique de ces fragments du monde. « Je suis attirée
par l’état des choses qui sont sur le point de disparaître », explique-t-elle, « leur densité
semble étrangement en décalage avec leur matérialité, si précaire ».
De manière comparable, le sculpteur américain Joel Shapiro présente des sculptures
miniatures inédites qui, malgré leur échelle modeste, s’imposent par une assurance
inébranlable. Elles sont éparpillées et fixées sur le sol de la galerie, sans socle. Dans
cette nouvelle série, Joel Shapiro construit des maquettes de maison en bois qu’il
brûle avant d’en mouler les vestiges dans le bronze. Chez lui, l’échelle évoque une
vulnérabilité extrême, mais tient aussi froidement à distance. Il revisite ici le motif
de « la maison », un thème qui dominait son oeuvre, au début de sa carrière. Joel
Shapiro se fait connaître entre les années 60 et 70 alors que, dans le sillage de l’art
minimal et conceptuel, il développe une iconographie inspirée tout autant de la
mémoire privée, que de la quête d’un renouvellement formel. C’est donc à une
expérience physique immédiate empreinte de psychologie qu’appellent les sculptures
de l’artiste, simultanément imprégnées d’associations personnelles et évocatrices
d’une quotidienneté universelle.
Par ses actes de destruction en série, le jeune artiste new yorkais Adam Marnie
questionne non seulement les limites de la sculpture mais étudie également
l’esthétique de l’espace architectural, pour mieux la subvertir. Son travail
retrace l’influence du minimalisme qu’il accepte et critique conjointement, de
façon très physique. L’oeuvre « Locus Rubric », (2011) s’approprie des matériaux
de construction à l’instar de ces plaques de plâtre avec lesquelles l’artiste réalise des
formes cubiques percées de deux trous de la taille d’un poing. Comme pour saisir
l’immédiateté de l’impact, la sculpture, enchâssée, est exposée dans un cadre qui
récolte les gravats au fur et à mesure de leur chute. Le visiteur attentif découvre
toutefois que ces fissures ne sont rien d’autre qu’une série de gestes construits et
prédéterminés, créateurs de tension, entre artifices et présentations concrètes de la
violence.
Bien que Jannis Kounellis et Kishio Suga aient développé leur pratique à part, chacun
dans un contexte national d’après-guerre spécifique, leurs pièces partagent une
approche similaire du matériel et du processus, dans laquelle l’oeuvre s’articule tel un
théâtre d’imprévus, ouvert à la possibilité de la fragmentation et des états éphémères.
L’artiste japonais Kishio Suga est une figure de proue du Mono Ha (École de Choses),
mouvement qui se concentre sur le lien étroit entre la nature fondamentale des objets
et les espaces au sein desquels ces derniers existent. Dans une série d’assemblages
muraux ici présentés, Kishio Suga se sert de matériaux naturels et industriels pour
créer des pièces intimes à l’énergie improvisée, reflets de l’acte physique qui est
à leur origine. De même, les sculptures de Jannis Kounellis – l’un des pionniers du
mouvement italien de l’Arte Povera – peuvent se définir par la juxtaposition d’objets et
de matériaux possiblement antithétiques les uns aux autres sur les plans physique et
culturel. Les objets ordinaires renferment une franchise et une immédiateté pour cet
artiste, dont l’objectif consiste à réunir art et expériences vécues du quotidien.
Le travail du Vénézuélien Arturo Herrera est, quant à lui, ancré dans la pratique du
collage. Par l’emploi d’objets ordinaires imprimés qu’il intègre à son vocabulaire
visuel, il agence des fragments disloqués de l’imagerie populaire et crée ainsi des
compositions abstraites qui puisent dans notre inconscient collectif et dans notre
mémoire culturelle. Dans une série récente d’oeuvres « Untitled », Arturo Herrera
utilise des livres dénichés sur divers marchés aux puces berlinois. Première incursion
de l’artiste dans le monde de la peinture, les ouvrages déconstruisent la notion même
de plan pictural puisqu’il s’en sert comme de toiles. Lorsqu’il trempe les livres dans
la peinture, les pages se collent entre elles et emmurent leur contenu cependant que
leur forme d’origine disparaît. Alors qu’il continue de renverser de la peinture sur leur
surface, Arturo Herrera transforme les différents livres abandonnés en des tableauxobjets
intimistes dont les couches superposées invoquent le processus du collage et
créent des formes graphiques singulières.